情牵南洋

自序-劉奇俊

《情牵南洋》称得上是我离开新加坡 30 年后的第一部有关本地美 术家的评论集。30年来,我曾寄居东京15年,后来又到上海15年。这 期间,我依然关心着新加坡的美术的进展。 衷心地尊重和佩服新加坡的画家,他们的努力和贡献,是非笔墨 所能形容的。不但如此,画家们也非常注重与世界各地的美术家联系和交 流,尤其是东盟各国的美梦交流,更是非常逢勃,这对提高各国的美术发 展,起着积极的作用。 《情牵南洋》因为受时间及篇幅的限制,而只选了我所熟悉的美 术大师,从对他们的作品和评介,大家对新加坡美术家的成绩,可见一斑。 此次所评介的新加坡画家,包括曾经是南洋美专第二代的院长的 林友权,他也是学院派的代表画家。九十高龄的老画家林子平,我们强调 了他老人家艺术成就,是从勤劳中走向大气。 著名花鸟画家李福茂笔下的胡姬花,已成为他的专利。而他的山 水画,意笔与工笔互相结合,极为生动。 赖瑞龙的笔墨,炉火纯青,在国享有盛誉。他的花卉、昆虫飞禽,体 现笔墨的妙用。 趙振强敢向水墨传统挑战,并走向世界。他的构图,显出艺术光 芒。显然,色也好,墨也好,他随时能创造新的意境。刘培和的水彩画,淡远空明,闪烁着无尽意境与诗情,带有水墨 合奏艺术效果。 王金成的水彩画,使水中的色彩层次化。而恰当的留白,是他独 特风格,令观众看他的水彩画面,是陶醉的。 洪亚杨的作品,是开门见山的风格。他对笔势掌控,是势不可 当,故此题材显得更加生动。 陈楚智的油画艺术,近日有了新的蜕变,熟中生巧把作品的特色 更加完整化了。吴珉权的画,与他的人一样,带着浪漫的色彩。他把画面的色 彩,永远是在追求新与美的浪漫境界。 许锡勇的油画,是磊磊落落,构图严谨,创造出崭新风格。 唐近豪的抽象画,是有声有色的创作,颜色妍丽,有多样的变化。 邓汝能的作品,完全用水墨线条,推向艺术高峰,他不是一叶障 目,而是远近都看得见,真实又生动,一目了然地。 林仰章的作品,主色抢眼的艺术世界。他可算是第三代画家,在 他的努力下,为新文人画带来新的色彩。 当然,我敢肯定地说,新加坡的许许多多美术家,就算是拜访名 师,依然是如中国唐代画松大师张璪所说的“外师造化,中得心源”,有 形无形记在心中。他们都是把天地间自然界的一切事物和人的生活中的最 丰富,最生动的东西,当成最好教师去学习,而得到益处最大。 所以,新加坡的画家,都是在不断的向自然学习,也就是“以真 为师”的“外师造化”、“中得心源”合在一起,创自己艺术面目。 我深信新加坡的画家们,会对世界各国,还有的后一代的年轻画 家们所取法的对象。 《情牵南洋》的出版,赵振强兄的极力支持,从始至今,他提出 许多宝贵意见,使到书无论在文字,或是编排,增添了更多声色。真是谢 谢了!

                                                                                                                                                                                                                      - 劉奇俊 脱稿于新加坡寒雅阁 2017 年 11 月 7 日

笔墨非易事, 苦练成大家的赖瑞龙

笔墨是中国画独创的一种高深莫测的艺术手段,是中国画的最大特 征,也是画家艺术成就的体现,赖瑞龙经过多年的刻苦磨砺,使他的笔墨 技巧有非常宽广的表现力和突出的个人风格,这是赖瑞龙水墨画的最大特 点,瑞龙的强项就是他有超人笔墨,体现他的绘画技巧和艺术风格。 书画本同源,笔墨是根本 赖瑞龙1946年生于新加坡,是一位道道地地的新加坡本土画家,他 在学生时代开始向已故新加坡海派名家范昌乾学习水墨,打下良好笔墨基 础。 中国画讲究“书画同源”,书法与绘画的笔法是相通的,都需要密切 融合,不只是表现形象,更体现质感。瑞龙的作品,无论是梅兰竹菊、鱼 虾螃蟹、昆虫飞禽,都能够真正掌握笔墨的性能,体现笔墨的妙用。 过去老一辈画家,每天勤于练习书法,从中吸取用笔的经验和功夫, 其实这是画家的基本功。尤其在盛行题跋之后,书法更直接成为画面构图 的重要部分,没有良好的书法与画面相配,是不完美的作品,瑞龙勤练书 法,使到他不仅能题跋,并且从中提高笔墨艺术水平。 另一方面,西洋画运用透视法,在平面上展现立体效果,也就是说西 洋画力求肖似真物,故也非常讲究透视法,瑞龙在美专所学的都是中国画 所不注重的环节,同时赖瑞龙也是一位非常勤劳的画家,他向来就明白业花鸟画家是以花卉竹石和翠鸟等自然物来寓意抒情,他们必是通过笔 墨才能生动表现出来,但这不表示每位花鸟画家都能做到。花鸟画家的取 材,多数是松竹梅菊、牡丹芍药、杨柳梧桐,如用牡丹表现富贵,苍松古 柏是寒冬的磊落,但是这些自然物都难在热带新加坡见到,所以,自从瑞 龙于1979年夏天,作为新加坡文化代表团成员访问中国之后,接着他便 经常到中国进行学习,吸收各家笔墨之长处,并对着梅兰竹菊做了许多的 观察与写生,亦与中国书画名家笔墨交流,取长补短,这使到他的笔墨更 上一层楼。 记得80年代我有一次在香港拜会当代岭南派大师赵少昂,把赖瑞龙 的画递给大师请他点评,赵先生仔细端详之后,竟然表示要求我把赖瑞龙 从新加坡带到香港拜他为师,他认为赖瑞龙年纪轻轻,笔墨功力厚重,绝 非池中之物,无论是造型还是笔墨,已经表现出不一般气派,我也乐见其 成,不久瑞龙便正式成为赵少昂的弟子。从此瑞龙得到赵少昂的亲自指 导,艺术风格不断成熟进步,80年代后期,瑞龙的绘画和书法,结合海 派和岭南派之长,渐渐出现他自己的面目,而且越来越明显。 当然,赖瑞龙作品的最大的特色是在笔墨基础之上结合了严密造型。 瑞龙笔下的梅兰竹菊、芭蕉棕榈、荷花池鱼、苍松翠柏、麻雀八奇…… 等等,都被他用出色的笔墨,逼真表现在宣纸上。他借物抒情,也借手中 的笔创造花鸟画的新面貌。 笔墨非易事,苦练显特色 笔到墨,实非易事,用笔要讲究笔法,用墨来填充就不是笔法,更不 是墨,即使笔已到而墨无神采,也不能称之为墨。 瑞龙的画既有笔的神采,更有墨的精髓,他把淡墨、浓墨、宿墨,以 及干湿墨法发挥得淋漓尽致,他以墨求笔,以笔求墨,笔墨相融,头头是精于勤的道理,白天在美专学习素描和写生,回到家里,就拿出文房四宝, 同时练习书法,双管齐下,经过这样的艺术学习成长经历使到他的技巧和 能力是全面的。 1968年,赖瑞龙自南洋美专毕业后,并没有走向西洋画创作道路, 毅然选择继续向范昌乾老师学习海派艺术。并专攻花鸟,以此作为自己的 发展方向。这可能也是深受老师范昌乾影响的缘故,因为海派的专长便是 花鸟。 中国花鸟画传统 中国的花鸟画,我在拙著《中国历代画派新论》的《黄派花鸟与宋徽 宗宣和体》已经指出中国花鸟画的诞生,从出土的实物,说明从原始时代 到秦汉便在不断发展,到了唐代花鸟画已开始成为专门的画科。 中国花鸟画的一个高峰是诞生在中国南方的五代十国时期,因为当时 北方混战不休,南方的南唐和西蜀歌舞升平,给画家以有利的创作环境。 南唐和西蜀两国皇帝都爱好绘画,设有画院,这是中国历史上建立画院的 开始,人物画、山水画和花鸟画都曾活跃于画院,中国花鸟画派的徐黄异 体也是在这时候诞生,这反映出花鸟画在五代十国已形成多种不同风格, 为以后历代花鸟画发展种下优良种子。 黄派是指西蜀的黄筌、黄居寀父子,徐派是指南唐的徐照,接下来北 宋宋徽宗赵佶创造的宣和体花鸟画,进一步将花鸟画带入另一个高峰。 北宋的文同和苏东坡所画墨竹,画史上称之为湖州竹派,令花鸟画走 上了文人画的先锋领军地位,还有清初的恽南田和扬州八怪郑板桥、汪士 慎、边寿民等,都把花鸟画推向画史的新的地位。 当代岭南画派和海上画派,都是现代花鸟画,独霸画坛和独领风骚, 瑞龙将这两派之长集于一身。道,从而创造出属于自己的笔墨艺术境界。 但瑞龙又不刻意强调笔墨高于一切,兼顾形神,才不至于有笔有墨而 无形与神的一般文人画家的通病。 赖瑞龙的花鸟画的另一大特点,即使吸收前人传统,同时他将书法题 款,篆刻印章完全融入画面,这样一来,瑞龙的花鸟画更加完美,使到我 们在欣赏他的作品的时候,更有丰富多姿多彩的艺术享受。 题款的字体风格和大小要与画相称,瑞龙掌握了这个道理,所以他的 画的题跋,不只是增加了画面的形式美感,同时也更加补充画的内容,也 显示出他创作之时的感想与感情,甚至艺术见解。 花鸟画必以花鸟形象为主,瑞龙将不同的花鸟都入画。他用多年积累 下来的笔墨,突破了许多束缚,既写形又传神,这也使到他的艺术达到高 度和谐和意趣横生境界,所以,他的花鸟画是令人佩服和神往的。期待瑞 龙有更多传世之作不断出现。

                                                                                                                                                                                                                            - 劉奇俊 脱稿于上海寒雅阁 2015 年 6 月 6 日

色彩漂然浪漫轻松 ——谈吴珉权的画

当我们一眼见到吴珉权的画,所得到的第一印象,就是画与人一样 , 他从奇装异服之中,带出了浪漫的气息。 尽管吴珉权已经过了古稀之年,却依然是青春常在,不知老之将至, 似乎是不落的太阳。 观赏吴珉权的画,同样的是第一感觉也是与众不同,色彩漂然的轻松 风格,是浪漫的。 艺术的创作,是从不断追求新与美,才能产生自己的新面目。吴珉权 的作品最大特点,就是他把画中色彩,带向光辉灿烂的浪漫境界。 艺术本来就不不能守旧忘新,虽然艺术的传统应该受到尊重。但是, 艺术的创作本意,就是不可不新。这一点,细观吴珉权历来的作品,都带 着这种精神。 艺术的创新,是必需有良好的美术基本功,才能创造完美新意。所谓 新意,并不是胡乱涂鸦,而是画家需要深思熟虑。这就是俗语所说的台下 十年功了! 吴珉权的老师是南洋画派第一代的陈文希和钟泗宾。他常常想起学生 时代的星期天,陈文希常常带着学生,到马来西亚各处去写生,体会马来 西亚的农村和渔港的生活,钟泗宾也是一样地领着大家到新马各地写生和 体验生活,让他能从生活中得到灵感。除此之外,他们也经常利用课余时间,学习素描,以便达到每位学生 的写实好基础。 高中毕业之后,吴珉权再到纽约5年,这段时间,他充分地到纽约各 大美术馆和博物馆,去临摹去观察去学习。当然,他也常到美国其他都市 的美术馆,参观不少世界名画,增加知识。 这一段5年间的美国求学里程,我认为对吴珉权的艺术创造是有着不 少启发和引导作用。我也深信5年间的纽约生活,他一定吸收了世界级艺 术大师的营养,成为自己的创造艺术血液和维生素,培养自己艺术情操。 当然,我觉得野兽派宗师马蒂斯对吴珉权影响力比较大,其他的如毕 卡索、梵高、高更……都是他的艺术营养大师。 生活在富有色彩的世界大都市纽约的吴珉权,当他回到新加坡之后, 他抛弃了中国传统的感情表现方法。他不用灰老的色彩,表现严寒的冬 天,更不画残荷和枯柳来表现衰老,而是用鲜明色彩、淡墨素笔、不落俗 套地把自己内心情感,奔放出来。因此,他的作品,就是带着不同的表现 事物与手法。 我曾经在香港机场的新航贵宾室,欣赏到吴珉权的6幅作品。他不是 片面吸取形式的作用,而是随心所欲在追求画中内容,所以在统一画风的 同时,也让色彩在奔放的感情,发挥出无边的艺术效果,而不是受到形式 与色彩的束缚和压迫! 再仔细观赏吴珉权的作品,虽然色彩上受马蒂斯的影响比较大,其 实,他最大胆的地方,既不是完全采用油画的形式,或者是用中国画的构 图章法和皴法,要不然就是油画的涂光抹彩,而是融汇贯通各派之长,更 不理会艺术的刻板规律,创作出奔放画意。 吴珉权的自由发挥,随心所欲的自我表现,使到我们所看到的吴珉权作品,就是天高地远,雅而不俗,既粗犷又带着细工的揉合,所以,他的 艺术形象,就是那么强烈地吸引着观众的眼光,令人留恋。 始终认为吴珉权经过多年的努力,他的艺术风格,已经是集各家各派 之长,而后来成了他独特的风格。所以,他脱离老一套的习气,再用形而 色,带着个人主观性,再与时代精神结合,因此,创造出自己的风格,同 时出现新的内容与形式,才登上艺术高峰。 当然,艺术是无止境的,我们期待吴珉权更多的作品展现在大家面前。

                                                                                                                                                                                                                               - 劉奇俊 于新加坡寒雅阁 2016 年 1 月 17 日

许锡勇的油画, 是磊磊落落的

许锡勇所选取的题材,是比较现实与单纯的,他的画比较概括,这主 要是敢于表现自己的创作思想,并且比较直接而且鲜明地体现在创作实践 中,还提出露骨的主题,并对思想的渲染。 许锡勇在早期也创作了不少的木刻,这一张张的木刻,是看出他用沉 重的心情,刻划出新加坡昔日的社会风貌,他那种不掩饰内心感情的艺术 表现方式,正是他对社会的辛酸与同情的深刻表现。 同时,他一直勤于创作许多漫画,也可看出他的艺术表现,是从现实 的环境中,吸取了无数的题材,来表现出艺术家内心深处的怜悯感情。 许锡勇1938年出生于新加坡,他从小就喜欢绘画,长大之后,就读 于南洋美专,这为他后来的创作,打下结实的艺术基础。 许锡勇是认真地学过西画的素描方法,他能够把一个石膏人像,如实 地描摹到纸上。由于光源的投射而形成物象的明暗关系被临摹下来,而使 到物象固有体积感的质感和透视造成了真正的形似,许锡勇便是这样一位 的写实画家。 但是,许锡勇是有血有肉的画家,他力学不倦地常到新加坡河写生和 寻觅题材,他要求自己能够画出带着历史悲情的新加坡河是由大家汗水所 流出来的成功河流,从新加坡河今昔相比而留下历史面貌。 《独立桥下修船场景》
 (1973 年)、《海风轻拂岸边船》( 1966 年)、《义顺》(1959年)。这个时期,锡勇的创作,总是能从色彩中,见到阴暗一面。 尽管色彩和明暗处理非常成功,因此能看出殖民地的悲剧色彩,他的作品 总是带着深暗的颜色。 但是,再来欣赏许锡勇90年代所画的以法国景色为题材的油画作品, 如《亚历山大三世桥》
 (1992 年)、《卢浮宫》
 (1992 年)、《艺术桥》( 1992 年)、《杜乐丽花园•巴黎》(1992 年)等等。我们看到画家在色彩的明暗 处理上非常成功,因为锡勇已脱离了光线所给的阴暗,而是给这些巴黎古 建筑物的体积中,出现了鲜明色彩。他用艺术魅力,使到光明色彩,得到 完美表现。 二十一世纪,是另一个新的时代,而许锡勇的作品,也迎接了新的明 亮风格,二幅《圣淘沙高尔夫球场风景》(2004 年),二幅《昔日牛车水》 (2010 年),《峇厘舞孃》(2000 年)的作品,仿佛许锡勇是在创造崭新明 亮风格的同时,也给自己的艺术生命开出另一条康庄大道。 不能否认,经济繁荣的新加坡,也促使了绘画艺术的繁荣与发展,锡 勇的风景画,尽管还有缅怀历史所留下的情感,如《克拉码头》(1977 年)、 《消失的马来甘榜》(1933 年),依然带有怀旧情绪,但是《今昔新加坡河》 (2007 年)、《新加坡牛车水》(2010 年),画家已从阴暗色彩中,走向经 济发展的新社会,热情地坦率地出现了艺术的情趣。 从许锡勇近日所画的花《向日葵》(2013 年)的众多作品中,已经是 有强烈光泽效果,构图严密,华丽强烈色彩,使到他的艺术发展,又向前 走进一步。 艺术的内容,往往是表达了画家的爱与憎,正是画家思想感情的表 达。在许锡勇历来的作品中,是掩盖不了画家的主观思想。锡勇没有掩藏自己的情感,都在反映出主观直接地表现到画中,给予 观众的真实感。 期待他更辉煌成就。

                                                                                                                                                                                                                                      - 劉奇俊 于寒雅阁 2016 年 1 月 24 日

以自然为师,画心中风景 —王金成

王金成,1945 年生于新加坡,本地知名水彩画家。 王金成的水彩风景画,题材丰富,他擅长运用合适的调子和明度,正 确突出光源和重点,使水中色彩层次化。他笔下的风景,带着抒情色彩, 恰当留白,总是令我浮起层层遐思。 1)笔锋和留白的水彩 大家也说会对这位著名水彩画家步入绘画之门感到好奇,他与英国近 代风景水彩画家特纳(Joseph M. W. Turner 1775-1851)一样,都是自 学成才。王金成还记得他第一次画水彩时,误把广告色当作水彩,无法调 出透明效果,巧得好心的艺术品商店老板指点迷津,他才恍然大悟摸出门 道。 水彩画是西方绘画的一种,水彩的原料是用胶水调制而成,画家作画 时用水溶解颜料作画于纸上,在15世纪欧洲始有水彩画,18世纪水彩画 崛起在英国,慢慢发展成为独立画种,并被称为英国的“国画”。 英国的天气常年湿湿润润,所以英国的风景很适合用水彩画的特性来 表现。新加坡曾经是英国殖民地,无形中也学到英国人的水彩风景画风。 但是,经磨练的新加坡水彩画,却慢慢脱离英国水彩画的束缚,自成一格, 发展成为新加坡风格的水彩画,王金成便是脱颖而出的新加坡水彩画家之 一。仔细欣赏王金成的水彩画,不难发现他已经吸收了中国水墨画的长 处,即笔锋和留白,转而成为自己的独特水彩画风格。 观赏王金成的《尼泊尔珠峰》、《从喜马拉雅山脚仰望》、《珠峰的喜马 拉雅山脊》、《尼泊尔西部的顶峰》,便是运用了东方式构图,将山峰留白, 山下的云雾,又运用了英国传统的水彩湿润法,调和了群山,把云气和白 雪覆盖与世界最高峰浑然一体,画面因而生动。色彩的淡雅,会丰富画面 的陶醉感觉,至于王金成的留白和笔锋,也是阳光灿烂所带来的艺术效果。 《西藏•拉萨》是画家80年代到西藏写生之后,为著名的布达拉宫所 创作的一幅巨型寺院水彩画。 为表现达赖喇嘛冬宫的壮观,王金成笔下突出了城墙的一体性,为主 体建筑留白,配合灰蓝色天空,宫墙的红白对比,感觉非常辉煌壮丽,遥 遥可见的神圣喇嘛圣堂,更显庄严纯洁,凸显了建筑在宗教上的崇高地位。 2)东方韵味的纯洁老街 对王金成来説,把水彩画表现得更具有东方韵味,并非他的一时冲 动,他不断磨练自己,从实地写生和创作实践中获得启发蕴蓄涵养。他是 经过长时间对大自然的深入观察,消化吸收自然所给予他的力量和精神, 转而通过水彩创造出自己熟悉的事物。 老的街道、老的建筑物都是王金成的题材。好比大家所熟悉的牛车水 和如今已是新建大厦鳞次栉比的Shenton Way,但是古老的老巴刹依然 矗立在这里,好像在诉说新加坡的古老故事。 《新加坡Telok Ayer》主题是画1836年由英国建筑师G. D.克尔曼所 设计的建筑物,这是非常有特色的老建筑物,尤其是那高耸的小钟楼,使 人看到就会忆起伦敦泰晤士河畔的伦敦大笨钟。 王金成用留白手法,强化了热带的阳光,画中的一道白色细线,显示出建筑之间的分界,也是强调新旧不同的建筑物,有着不同的明暗差别。 老巴刹入口两边的混合绿色树木,明暗不同,让观众有距离感,并且 是绿意打进了人心。 曾经是新加坡河畔的潮州街,早年车水马龙,是印尼渔船集散地,也 是倾销鲜鱼的中心。王金成笔下的潮州街,有数不完的车辆,高低错落有 致的旧店屋。他依然采用留白,配上一旁的大树,诉说午后老潮州街的沉 寂,如今潮州街早已不见踪影,取而代之的是五星级大酒店,对于在新加 坡河畔长大的我与我的童年伙伴们,是一种无法平复的失落感,只能望楼 兴叹。 《新加坡•唐人街》、《新加坡老街》都是用光与色彩,强调画面主题, 光与亮的相映下,给画带来生气。 王金成所画的唐人街也是牛车水。他喜欢刻画描绘来来往往的人流, 在窄窄的街巷里穿梭,从建筑物这一端,延伸到另一段老街,并用钴蓝色 的混合,强调了强暗色画的斑驳的楼宇、墙体和别具特色的柱子,增添老 街的生气。 王金成也到世界各地写生取景创作,并吸收欧美和邻近国家的风景和 风土人情,来丰富作画的内容。 3)活跃在国际的浪漫水彩 我认为王金成作为新加坡著名水彩画家,同时也活跃在国际画坛,是 一位成功的水彩画家,他的绘画基础来自他的苦学,他勤于写生,勤于创 作,同时,他也非常懂得取舍,才有今天的成就。 王金成忠于自然,同时做理性取舍,投身自然,更发酵自我感觉,使 之升华,从而创造出属于自己的笔下风景,他的这种创作态度,带着浪漫 主义色彩,更彰显个人风采。王金成的水彩风景画作品,除了有新加坡题材之外,更有世界各地景 色,如英国、美国、尼泊尔、欧洲各国、日本、印尼、马来西亚等不同国 家和地区。都市的街道、市场、广场、港口、海滨、田庄、大学、河川、 农村的农民、小孩、动物、商人、船夫,都被画家用水彩颜色和想象力, 画出打动人心的风景画。 水彩画是少不了水的,观看王金成的《新加坡天际线》,他把现代新 加坡描绘得淋漓尽致,他用基本色贯穿摩天楼,用绝色水波,移动的船只, 使到整幅画充满动感,灵动鲜活。《新加坡•驳船码头》、《新加坡•克拉 码头》、《希腊•伊兹拉岛》等水彩风景画,带着水性,透出画家性格。 王金成常以湿画法开始画背景,接着用层涂画中景和前景,最后才重 点处理细节,仔细欣赏王金成的带水的风景画,湿画法的采用和透明层涂 相结合的东方画艺的手法,使到他也用毛笔侧锋,笔下的海和河流,有更 加丰富多彩的表现。 王金成尽量画出细节,形体结构明确的景色,实用透明层涂法,画凹 凸不同的部位,像旧木板房、岩石形体、前景的树木,水的反光及重心区 域,更显出打动人心的水彩。 新加坡没有崇山峻岭,没有小桥流水,所以王金成总是不厌其烦到世 界各地旅行,使到他能以自然为师,由于他对自然,还有现代建筑物,都 表现异常热情,他掌握了笔势方向,发挥色彩的美妙,同时,他的水彩画 中,还带有中国水墨画的味道,因此形成自己独特的艺术风格,期待王金 成更多完美水彩画的出现

                                                                                                                                                                                                                                       - 劉奇俊 完稿于寒雅楼 2016年8月20日

色与墨出现的艺术光芒 —赵振强

中国的水墨山水画,可以说有近千年的历史,所以学画山水,是不能 白手起家的。画家必须先学习传统笔墨之后,又不能停留在传统的笔墨与 题材之中。画家必须把自己所学到的,融汇贯通,化为画家自己的东西, 进一步诞生了自己的面目,并且令大家看到新意,才能吸引了广大观众, 这便是艺术的魅力。 赵振强便是一位敢向传统挑战,并创造出自己风格的新派水墨彩墨合 一的山水画家。这位1953 年出生的新加坡画家,1980 年毕业于南洋美专 之后,他就埋头苦干地向山水画耕耘。 我向来认为风格不是一蹴而成,实是需要经得起长期的磨练和探索, 才能找到端倪,尤其是对这千年传统的山水画,赵振强需要坚强的意志, 又继承又破坏种种传统的锁链和壁垒。他没有半点惊恐,而是出尽自己的 精神和艺术魅力,重拳打击和破坏,这样才能找出新的山水面目。好个赵 振强,终于做到了! 做为一位敢向现实挑战的画家,赵振强更是以自然为师,所以他不断 地到世界各地写生。他的足迹,有历史悠久的柬埔寨、峇厘岛、马来西亚, 还有中国云南的香格里拉,同时,也马不停蹄地到艺术之都巴黎,还在冬 天到冰岛体验与热带完全不同的冰天雪地世界。 清初大画家石涛的“搜尽奇峰打草稿”的千古名言,正是符合了赵振强的心意,他每到一个地方,就是勤于写生,也就是向大自然学习,使到 自己能从绘画创作中的实践去探索,同时也借自然之赐,才成为新意山水 画的革新者。 创新的来源,在于生活。如果不到自然中去,关门幻想,是不可能创 造出新的艺术风格。 山水画在晚唐以前是“空勾无皴”,只有山的轮廓,画不出山石的质 感和空间感。到了晚唐,出现皴法,才奠定大转变之后,成了发展山水画 基础。 但是,天下名山大川,古寺道观,也是有着千变万化,风格亦不相同。 因此,它们也为风景画家带来无限创作生机。所以我们欣赏赵振强的风景 画,应该以新的眼光去衡量,例如他的《韶光淑气》除含着不少的传统山 水笔法,更有新的笔墨和色彩。 如画中的淡墨,实是从黄宾虹的宿墨中得来的灵感。在色彩含着的墨 色中,观众是不难欣赏到传统的墨分五色的变化所发出的含意。 风景画家,也就是山水画家,无论古今中外,都是到各处游山玩水, 饱览嵯峨奇峭,而达到千里于咫尺,有形有势。所以,赵振强的作品之中, 不是强调具体的山与水,而是用笔墨色彩之妙,从生活中来,又变化多端 地体现出现实生活中效果。尽其灵光地用不同构图,画出花木鸟兽奔驰于 风景之中的意境。 大家不妨仔细欣赏赵振强 2013 年的作品《挺拔》、《秋高气爽》、《春 色满园》,以及《古松》,便是山川景物,随之而异。画家取其大势,近看 远望,用色与墨混在一起,顿时抓住自然界不同变化,使到画面更加生动。 无论是山水风景画,还是花鸟画,都脱离不了笔墨、造型、构图、色 彩……等的艺术框框。我们从2015年之后的赵振强风景画之中,发现他也加进了传统的花鸟和树木,例如《水光激滟》、《浩浩荡荡》、《气势非凡》 的强烈色彩中,可以看到瀑布在往下冲,而沿途有树木陪衬,更见其美。 不妨说,2015年以后的赵振强作品,可以看到在色彩与笔墨柔合之 中,既能有土有石、洧山林木、岗岭起伏,正是一片蒙密,互相混淆。 赵振强的另一大特点,就是善于用点的变化,不论大点小点,平点圆 点,或是杂以松针,再用淡墨拖,中锋侧锋,干笔湿笔,疏点密点,快点 慢点,再用浓墨破之,这样一来,赵的风景山水画,出现了烟笼露滴的独 特风味了,让观者美不胜收。 当然,更期待赵振强的不断吸取历代大师的艺术长处,再为我们的画 坛,创造更多新意。 果然,近观赵振强的作品,确实又有了改变。他的作品中出现了朵朵 荷花,却隐藏在七彩之中,慢慢地通过色彩,浮现出来。这不是抽象,而 是从艺术的感觉中,找出了另一条前人未曾走过的道路,如白色之中,散 发出艺术光芒。显然,色也好,墨也好,赵振强的艺术是会随时出现新意 境的。

                                                                                                                                                                                                                               - 劉奇俊 于新加坡寒雅阁 2017 年 1 月 20 日

梦幻中的真情 —唐近豪

近日欣赏到不少唐近豪的近作,好! 第一个感觉是近豪的画就是轻浮美丽。他将山、水、云,旋转式地结 合在一起,使到色彩在画面上跳动,这也就是画家唐近豪的有声有色的创 作。 唐近豪出生于1946年的新加坡。毕业于新加坡青年领袖训练学院。 当时是1967年,他不是学美术学校的学生,可是他却对绘画有着更深厚 的喜爱。我想他一定认识到枯燥的行政工作,并非自己所长。因此,他利 用业余时间,学习绘画的基本功。这对他后来的创作,有着重大的启发。 偶尔看到唐近豪1976年的作品,竟然是一幅描绘新加坡河开始走向 改革之前的《新加坡风景线》。从这幅丝印的简单作品中,使我们认识到 画家刚出道之时,是把新加坡开步向现代化路线发展的写实记录。 但是,画家是不能沉醉在自己的成绩,更何况无师自通的唐近豪,他 需要用更多的功夫、更多的时间,学习笔致工整、设色妍丽,变化出更多 样化的画面。 80 年代,近豪大胆地将自己的多幅山水作品,命名《蓝山系列》。这 个时候,画家的山水画是笔墨浑重,色彩脱俗地表现出林间的味道,他开 始有自己的格调。但是,依我看来,此个时候的近豪风格,是多少深受日 本现代画的影响。同时,也吸收了不少当代日本艺术大师东山魅夷的血液,从不同角度,画出自己内心的情感。 然而,不妨説近豪一直想创造自己的面貌,所以,他开始不断尝试从 具象走向抽象的艺术道路。这一方面,近豪是成功达到自己的意图。 也许,近豪不甘心自己努力尝试的抽象风格,会被人误解是“倒墨水” 的方法。所以,他80年代的作品,依稀可以看到一些具体的图像,而不 是在倒墨水。 近豪也是努力吸收中西各派的色彩作为原料,期待自己也像毕卡索、 马蒂斯一样创造出一片天。大家都知道,当代的岭南画派,便是主张引入 日本与西洋画派风格,博名家之长,丰富了中国画的题材与色彩。 在技术上,岭南派反对勾勒法而采取没骨法,同时也创造了岭南派独 有的“撞水撞粉”法,以达到真实的境界。这一点,近豪是学到“撞水撞 粉”的骨髓,所以,从他80 年代的个展中,无疑是出现了岭南派的味道。 近豪的笔墨酣畅热烈,给观众带来了一种色彩与笔墨的享受。 1994年,近豪移居澳洲珀斯,他要模仿晋代的诗人陶渊明的采菊东 篱下,悠然见南山的田园生活。然而,现实是残酷的,一心一意忙碌种植 葡萄和酿酒的唐近豪,怎能够悠闲地创作自己的艺术作品。所以2000年, 他又回到新加坡的土地上,重新过着自己的艺术创造生涯了! 唐近豪的创作无数,他把80年代到2000年初的作品,列入银河系列; 而2006年开始,他用《梦幻银河》命名自己的一系列作品,为自己作品, 做了注脚。 画家,是灵活的,是不断向前走! 画家的创作,必须突破时空的观念,而画笔是游刃有余。不但如此, 画家的思想要能够驰骋宇宙,遨游太空,不受空间与时间的控制。大到宇 宙间的万象,小到如一粒细细的尘土,都是作品的素材,是画家作画的无尽题材。 谈到近豪80年代和90年代的创作,例如银河系列。他善长于运用色 彩,根据主题的需要,配合上感染力的色调,看来画家不是一面画一面想, 而是在落笔之前,脑海中早就酝酿着丰富色彩、立意、精图,都成了一个 完整体系,所以近豪的银河系统,能够取得合理的高度和协,成为头头是 道的自然风格。 在充满着自然给予的丰富色彩的澳洲珀斯生活了7年的唐近豪,当然 也吸取了自然界四季所给予的色彩变化,从而把色彩经过消化,移植到他 的艺术作品。 春亮、夏苍、秋寂、冬暗是天空所给予的色彩。所以,欣赏近豪的《梦 幻银河》的作品,可以看出他把感情进入实景,达到了物我相忘的境界, 因此才诞生了自己的色彩感。近豪自己也动了真情,而在激情中创造出来 带着丰富色彩的作品,一直打动观者的心。 艺术的创造,是千变万化,也为之变形。唐近豪就是把自然界的景物 变了形,也可説是推陈出新。当然,画家是已经掌握了传统的创作经验, 依据主题,去创造气象万千的《梦幻银河》的艺术效果。 色调的处理,亦不是易事。我们知道色与色之间,如果处理不当,是 容易发生光晕的现象。同时,色的对比关系处理不好,也容易把色彩的明 度抵消。当然,从近豪的作品中,处理色调是很妥善的。因此,他把红色 与绿色处理得很好,使到红绿鲜明。 绘画是人类生活的产物,让唐近豪同他的才华与经验,为我们创造出 更多的《梦幻银河》的系列。 

                                                                                                                                                                                                                                   - 劉奇俊 元宵节于寒雅阁 2017年2月11日

抢眼主色 林仰章的艺术世界      

去年5月欣赏了林仰章画展中的油画作品,感觉好比享受了他作品中 主色给予的抢眼,而诞生的海阔天高的意境。 今年农历新年,又欣赏了林仰章的中国水墨画。感觉到他创造出一个 新的表现方法,适合了他画的新题材、新意境、新的文人画。 1)水墨的新意境新题材 林仰章的水墨画有了新题材,新意境。他并不是想到就能做得到的, 这是画家必须有扎实的基本功,还有把握住熟练的笔墨技巧,才能从创作 中,磨练和巩固,并加以发展新的艺术面目。 所以,在短短的一年时间,欣赏了不少林仰章的水墨画,他的确是做 到了新的风格。不妨説,他是丰富了绘画艺术上的中西合并技法,这是画 家多动脑筋的成果。 《猪与小鸟》是林仰章的近作。他用淡墨烘染,简出留白,让一头笨 重大猪,面对篱笆上伫立的小鸟,若有所思。显然,画家是吸收了从现实 生活中所见的,再用笔墨画出了猪与鸟的对立,形神兼备,心契神会地让 观画之人,指出日常生活中事物。当然,画家更加强调了笔墨深浅作用, 刻画出在笔墨提高的造型基础上,产生了自然的构图,以及简简单单色彩 的作用。 林仰章的绘画道路,可以説他是走向中西艺术融汇的方向。他是新加 坡国立大学中文系的毕业生。然而,他又到澳大利亚库克大学去学习,攻读的是经济学,并取得经济硕士的学位。回到新加坡之后,因所任职的学 校缺乏美术老师,他欣然就顶上去了。 美术老师的工作,让他有机会被学校派到新加坡国立教育学院教育文 凭班,虽然是师资训练,却让他更有机会学习到美术的基本功。 学院的教师,都是请海外的洋美术教授任培训工作。这无形中给林仰 章带来更多时间接触到西方美术,促使他后来的作品,出现与众不同的面 目。 林仰章的启蒙老师,是读高中的时候的吴哲民老师,后来,他学水彩 是由新加坡水彩名家林江奇老师教导,至于水墨老师,是向海派传人范昌 乾的得意门生陈友炳所指导。在众多名师教导下,又得到教育文凭班的科 班训练,使到林仰章对美术的要求,更加严格。 2)新文人画带来新题材和色彩 绘画,可不是简单的创作。尽管有名师指导,最重要还是自己如何去 勤奋学习,还有日以继夜的锻炼自己。 中国的绘画,都是强调书画同源,而创作的工具,更是离不开笔、墨、 纸和绢等的工具。从古至今,中国画是以线造形的技法为先,所以学画必 先学书法,才能进入到绘画的领域,这就是进入水墨画领域的有利条件。 水墨的线条本来就是造型的基本条件。 尽管我看过不少林仰章的水墨画,虽然,画的不是梅兰竹菊,而是画 家眼中所看到的当代人生活习惯,便做为题材地用水墨加色彩地表现出 来。当我再仔细地欣赏细节的时候,我马上感觉到这位国大中文系毕业的 画家,其实是一位文人画家。 我们不能説画四君子梅兰竹菊和岁寒三友松竹梅的题材才是文人画。 而林仰章以水墨来抒发心中的感情,以不同题材,如人物、山水高峰,还有当代的高楼大厦,发展了文人画的题材,风格豪放,笔法灵活地写意抒 情。 中国的诗词,也影响了林仰章的水墨画创作。看他所创作,我亦感到 “小楼一夜听春雨,深巷明天卖杏花”的深情意境。 文人画重视墨色和水分的微妙变化,从墨线造型,加淡染,使墨与色 产生色与墨的微妙变化,表现出文人画写意的心境,而使人感觉到林仰章 的水墨画,便是文人画的雅韵。我不得不强调,仰章的水墨画确有文人画 的诗情特色,这便是廖廖数笔的写意的特出功能。他以独立的题材,表现 多姿多彩,这是仰章水墨画的抒情。 3)水泥诞生了新视觉的艺术 谈到林仰章的西画,当然得力于名师林江奇的指导,还有自己的勤于 学习之外,更重要的是他饱读读书所得来的成果。 如林仰章的《后门》,观众一看就会联想到鲁迅的野草。因为那扇朱 红带赤的小小后门,还有白色的墙,不正是有着一棵树。那么这与鲁迅的 有一株枣树,又有另一棵也是枣树的意境,不正是符合吗? 《梦幻》是弯弯的月亮,把夜里的建筑物,照得一片洁白。夜里的蓝 天,依然保持住自然界的因素,也突出画家对光的敏感度;明暗得到平衡 性的解放,突出白色房子显得更加亮眼。画家带梦幻般的情感,任意流泄 到繁华的人间。 感觉到艺术家的创作是非常重要的。从仰章近来所画的油画,不少是 以新加坡组房为题材,这可是与一般文人画的装腔作势、无病呻吟不同气 派。而是林仰章通过自己所熟悉的事物,通过自己的理想和感觉,经过深 思熟虑,或许是创作的激情使到他突破形式,才创造出以情作画的作品。 《阳光下的蓝天》是仰章把枯燥的水泥世界,用自然界原生色彩,赋予自我心中所观所想,让画笔下的高楼大厦,注入了自我超俗又深沉的意 境。 《飘红的街道》(压克力画布)和《绿如水》(油画)是我所喜欢的林 仰章作品。因为能一目了然地看到新加坡实景。两幅西洋画,有连绵不断 的红,亦有青绿层层。这如梦幻一般的变化,经过画家艺术性自我逻辑和 处理,把实体的高楼大厦,在红与绿色彩包围,衬映出大自然的柔美与清 艳的情思。 林仰章的《彩红组曲》,更是把新加坡的组屋,用多种色调凑在一起, 让色彩多融多汇,不同的色调得到互补。如白色中的一点红,让紫色去牵 系黄色,再配上金黄色的天空,将呆板组屋通过画笔彩色,诉説心语,而 变成热热闹闹的超自然景象,或许这正是画家想要见到新的视觉世界。 4)新文人画渲染出新风格 更需要强调的一点,林仰章是从东方水墨画的道路出发。他深知书画 同源和道理,所以他也马不停蹄地加勤练习书法。他也投下不少心血,闭 门吸取历史名家的书法笔墨,并且融汇到自己的水墨画中,而又受到洋教 练的指导,也学尽了素描写生的技巧,所以林仰章在艺术发展上,是全面 性的。 仰章用水墨的线条,加上渲染,把新加坡的现代公寓、大楼、巨厦, 还有旧建筑的面目,都毫无保留做为画的主题,创造了不少给人留下新印 象水墨画和油画……等等。 有人认为他用水墨和油彩,不但是画出了新加坡是个花园城市,更是 “城市山水”。古老街道,在他以蓝天为帐的笔下,缠绕着建筑物周围的是 一大片抹上绿意的新天地。 画家还强调成排的樱花林,让赏花人变得非常渺小,但是自己可以在画面上诉说内心的语言,也就是艺术的意境,或者説林仰章是用他所创造 的艺术语言,变成了“新城心语”,使到观众在观看他的画的时候,有更 多想象空间,创造各自的天地。 林仰章是新文人画的画家,观赏了他不少的中西画作品之后,发现他 是通过自己艺术感觉,从日常的生活中提炼出主题,然后大刀阔斧将自己 所领悟到的艺术创作功能,发挥到作品中。 我发现仰章在创作的时候,是顾不了传统绘画的条条框框,而是将自 己理想融入画中,把主题更有美感地表现出来。因为他不为艺术效果而虚 构生活,使到他的作品的艺术形式,依然能继续的发展和变化。 东方墨韵,加上西方光彩,正是林仰章艺术创造的写照。

                                                                                                                                                                                                                                      - 劉奇俊 晨于寒雅阁 2017 年 2 月 21 日

返璞归真的陈楚智艺术 —读陈楚智的画

近日欣赏到陈楚智的作品,深深感觉到他的画的艺术格调,比过去更 加提高。只要一眼望去,心就被打动了!因为他的风格,不断在进步中蜕 变得完美。 显然这位行千里路的画家,使我们能体会到,他的作品虽然是以自然 景物作为写生对象,但是,写生是必须深入细致地观察体验,才是创作的 先决条件,这样才能画得生动地体现自己的风格。陈楚智的画,笔触和色 彩,既精炼,又是意趣出常的。 看陈楚智油画的构图,我觉得与四十多年前大有不同,可说他近来的 构图手法,层层相叠,却又处处变化。所以,观众能领略到楚智是大中套 小,小中又转大,因而产生了内涵无穷,潇洒多变。他不是刻板的对大自 然和景物的临摹。相反的,他的风景画,已经达到返璞归真之境。 陈楚智也和许多新加坡画家一样,到南洋美专接受正规的美术教育。 他认真地对着冷冰冰石膏像,学会了素描的造形,接着便是到处去写生学 习。 在美专学习期间,陈楚智还是抽出宝贵时间,拜陈文希先生为师,向 他学习水墨画。这种学贯中西的做法,使到他能多少吸收了用水墨画的笔 法,融汇贯通于他后来的创作上。 从美专毕业之后,陈楚智先到出版社工作,他负责一些设计工作。然而刻板的工作,妨碍了陈楚智的美术创作时间,使到他不能自由地到处写 生作画。因此,楚智终于辞去出版社的工作,而一心一意地专心绘画。从 此,在新加坡的街头巷尾,还有新加坡河畔,我们都能够看到陈楚智在那 里不断地写生学习和追求灵感。 为着把在热带生长的荷花入画,我就看到陈楚智不断地到植物园的荷 塘,对着荷花写生,同时也画了不少画稿,才选出最理想的构图和姿态, 将之入画。 今天,我们来欣赏楚智在 1983 年的作品《荷花》,看出他是力求在 单纯中表现出荷花的婀娜多姿,使到满池的荷花是从单纯中,一株株心连 心,花连花的广阔的意境。 也许荷花是东方水墨画的专长,所以楚智的荷花,处处弥漫着水墨画 的味道。这是东西合并的技巧,概括性强。而楚智的画,更是突出了荷花 的出于泥而不染的主要形象,是给人以强烈的印象和艺术感染。 曾多次在东京现代美术馆欣赏莫奈的代表作《睡莲》,觉得亦是弥漫 着东方艺术的色彩和风格。因为水墨画的韵味,给了我强烈的艺术感染。 楚智的《荷花》,也让我们欣赏到光线、露水、微风,以及新鲜花朵。这 正是画家按照自己对荷花的特有感受,表现出节奏感,幽幽喷出自然的气 息。 陈楚智的油画,能够吸引住无数人的眼光。尤其是他笔下的风景,不 管是老街或是高楼大厦,近年来是更加突出了鲜明的主题。 依我的感觉而言,我是非常欣赏楚智在色彩的处理上,舍弃了光感下 复杂的色彩变化。他大胆用了大色块来表达出和谐统一的抒情色调。因 此,楚智的画,看不到色彩的火气。因为画家利用了色彩的冷暖关系,画 出了自然界丰富色相。举个例子,画家是在用单纯的青绿色,充分发挥了油画的性能,令观众从画中,看到楚智的油画是含蕴着宁静、浑厚的内在 美。 谁也不能否认,这位足迹走满欧洲和亚洲的风景油画家陈楚智,近年 来的作品,蜕变中又出现了新面目,他将色块,强调和突出了到他每幅作 品的主题,让其更加鲜明。 想起八大山人曾经说过“如行万里路,转见大手笔”。所以楚智好比 是艺术的涉行者,一步步走入高妙的艺术境界。他执心而观,将万里路所 见到的,化为天地间的艺术奇趣,并将一幅幅景色,都成了他每幅作品的 艺术灵气。所以他的绘画创作就如源头清泉,净化心灵的真情感的艺术品 了! 湛湛天宇下,景物百态,通过了楚智的视野中灵感性激情,破开传统 的桎梏羁绊,收天地灵气,成了他独具的艺术风格。 陈楚智的近作,如《旧情》确实与过去的面貌不同了! 显然,随着岁月的增长,楚智对自然与景物的观察力是更加敏感,他 将眼中所看到的,将自然美演化为艺术美。这是楚智确确实实通过主观的 努力,创造出一个可以使自己酣畅淋漓地表达出自己的艺术天地。 楚智的作品,再也不是一蹴而成的画面。我始终认为画家用西方绘画 古典写实的技法与水墨画传统画笔互相结合,流利地传达出新鲜的画面, 使到欣赏画的观众,更能发掘楚智作品所给予的新鲜感受。 陈楚智画中大色块,还有流畅的笔触,都是表现出纯熟的技巧,而对 比效果,色彩的光感,是建筑物的质感,更能激起观众的共鸣。 陈楚智的静物画,也放出与风景画的不同风格。也许,他曾经是室内 设计师,所以他的静物画,带着浓浓的装饰画味道。从静物的作品中,看 到楚智是用刀代替画笔,创造静物的静。用画刀调取不同颜色而不作过多的调合,任其在画面上自然地混合而 产生微妙的色彩关系。其实用油刀就好比水泥匠用水泥刀环泥灰那样将颜 色砌到画布上去,直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚层次变化, 刀的有大小形状,以及用刀的方向不同,也会产生丰富的对比。 陈楚智用油刀代替画笔,使到他的静物画,有很强的塑造感和装饰 性。如:《旧情》,都能说明他用油刀的方法,是运用得非常得当。所以陈 楚智的静物,是同样地受到大家所喜爱艺术作品。 无论是中国画,还是西方油画艺术,临摹与写生都是必经的学习旅 程。临摹是学习传统基础和途径,接下来便是写生了。 写生一定是比临摹更加重要,陈楚智是深深瞭解到这种事实。所以, 年过70的他,每年都是多次到其他国家写生。而我也向来认为,通过写 生,尤其是风景画家,从写生中才能勾引出心灵中的奇变。 陈楚智不是依样画葫芦,他的作品是有创造性的,他是用自己经过变 化又不脱离实际物体,来表现和实现自己的蜕变艺术观,画出与众不同的 作品,亦是熟能生巧呀! 陈楚智近年来的作品,无论是风景还是静物,必是在动画笔画刀之 前,先寻思,然后才动手创作。他的作品,从观察中去捕捉到主题,然后 是概括和取舍,强化了对象,使作品更加完整了。 陈楚智的艺术,再拿过去作品与现在作品作比较,那就是韵味自然 中,有了新的蜕变而达到更高境界。

                                                                                                                                                          - 劉奇俊 完稿于上海寒雅阁 2017年3月13日

刘培和淡远空明的 艺术魅力

在当今的新加坡画坛,有突出成就的画家之一,便是刘培和。培和的 水彩画,淡远空明,显出了特有的艺术魅力。 欣赏培和的水彩画,色彩与笔触闪烁着无尽的意境与诗情。显然是培 和的创作是与时共进的。他进一步超越自己既往的成就,不断地突破和改 变前人的路径,把自己从锻炼中所得的实践经验,创造出大家一眼,便知 道那是培和的作品。培和的风格,是大家所熟悉的艺术魅力的。 刘培和,一个出生于新加坡的画家,可是他的童年却在原籍的潮汕潮 安县刘陇村渡过。 他在十多岁之时回到新加坡,由于他热爱绘画,毅然到南洋美专接受 正规的美术教育。他在学校认真学习了西洋素描,以及写生等基础功夫。 这种严格美术基础训练,对刘培和以后的绘画创作,起了极大作用。 从美专毕业的刘培和,他先到广告公司任职。他从实际工作中学到更 多的美术技巧。同时,他也为报馆画连坏图、插图等。但是,最终刘培和 还是离开出版公司的安定收入,而成为职业画家,闯入艺坛世界。 从此,刘培和每天到新加坡各个角落写生,尤其是新加坡的柴船头、 吻基码头……还有牛车水、皇家山脚、十八间后,都可以看到他的身影。 同时,我们也看到刘培和的水彩所画作品,深深地吸引了无数人的眼光。 我们看刘培和的水彩画笔下的新加坡河一艘艘大 船,不得不承认他功底深厚。他用色与笔来造型,而不是应物象形的古典造型观。他画中的 选材,并没有脱离生活,更不是陈陈相因地陷入一般典型化泥沼。所以, 培和的水彩画,在持续的发展中,看到了他的艺术活力。 刘培和敢于发挥,更对取材立新意的创作理念,他不失以素描为造型 基础,再用水彩为表现的手段。他摒弃了公式化类型化的传统方法,而是 从生活中写意精神,创造出时代精神。 培和的作品,如《河畔旧情》 但是,有时候我们也看到培和取法西方现代派,致力于造型的夸张奇 变,求视觉的冲击,时空的幻化。可以说是画家追求另一种艺术风格,在 表现自我甚至开发潜意识上不无探索,这也是他刷新了视觉的样式也。 或许你还没有欣赏过刘培和用水墨所画的山水,那可是一种艺术的损 失。因为培和跳跃的墨线,一条条的表现出鲜活的生命体,溶入到他水墨 画中的山山水水,组构起画面上的连贯性。同时,他又极力用水墨特性, 有别于水彩的渲染,突现出千差万别的个性,画面酝酿成的是水墨合奏的 艺术效果。 不妨说刘培和是用意笔线描,加上墨色的渲染,互相冲撞。就在这样 的墨韵渲染,把墨色与色彩交相辉映,水到渠成地把培和水墨山水,有别 于水彩风格,用笔墨语汇展示出他的水墨山水的艺术风格。 刘培和好比一位旅行家,他的足迹,几乎走遍世界不同的角落,欧洲 的法国,他到法国南部写生,又在巴黎临摹大师的作品。在亚洲包括中 国,甚至不丹、尼泊尔……行千里路的刘培和所创作内容,更加丰富和多 彩了! 优秀的画家要创造出独特风味的作品,既要有扎实的绘画基础,更不 能离开生活。而当我再三欣赏刘培和的作品,尤其是他以水彩所画的潮汕一带的风景,深受感动。因为从这些画,我领略到自己的祖先乡土的可 爱。同时是通过刘培和朴实笔调,优美构图,所带来是这片土地的无限乡 情。 1985年刘培和再到他渡过童年的原籍潮州,接着他以“乡下人”的 眼睛去观察潮汕一带的乡土。对他来说,潮汕的一草一木,都是充满着生 命感和灵性。于是他拿出画具,到潮汕各地写生,并完成了一幅幅的潮汕 乡土的水彩画。 潮州早在三千年前就有原居民生活在现在潮州竹竽山一带,后来随汉 人迁居到粤东潮汕平原的韩江下游。东晋又设义安郡于今天的潮州市,所 以义安是潮州市前身。距离潮州不远有一个旧时属潮州所管辖的临海重镇 汕头市,故大家称潮州人亦是“潮汕人”。 唐朝八大家之一的韩愈被贬到潮州任父母官,他把潮州文化推前一 步。唐玄宗所建的开元寺,亦是古文化之一,加上古时候有凤凰来仪的传 说,本是吉祥之意,却把潮州称为凤凰城,所以明代便建立了凤凰楼。刘 培和便以这些古建筑作为题材,创作了《凤凰塔》、《东门楼》,以抒故乡 情怀。 刘培和更把民间传说韩湘子为名所建的湘子古桥,融入画中,这是有 双重意义,一方面是画出潮州八景之一的《湘子桥》,同时又向世人宣扬 潮汕古城的丰富历史渊源。 《东楼观潮》是潮州八景之一,据说过去春天之时,韩江水涨,烟波 千里,浪花好比白鹭戏浪,壮观无比。如今虽难见此景,但是培和所画东 门楼,让我们忆起登上东门楼,凭栏眺望,潮州古城美景,尽收眼帘,依 然是令人陶醉。 《韩江渡头》中的水波碧绿,木船如线地穿梭于韩江,远处尚有屹立不动凤凰塔,使观者能欣赏到潮汕古典之美。 然而,我更喜欢培和水彩画的乡土味,无论是画穿梭还是停泊在新加 坡河的载货大 船,或者是潮汕的乡下,都表现出培和朴素画风,并带着 诗意的画面。 培和的《到田里去》是我喜欢的一幅画,他选择了在晨曦中,勤劳的 农民牵着耕牛踏过石桥,走向田里耕耘的画面。这幅画是培和及时抓住潮 汕农村的特征,他不只是画古老的石桥,更有天空中的鸟群在晨空飞,浮 萍与无人小舟……都是有趣的安排。也使人再看到游鸭,构成潮汕乡下的 特色。 《到外婆家去》是画家有意无意之间在池塘边画上三只鹅,那正是潮 汕人的特色食物也!至于《河畔的老榕树》、《石桥春色》同样是弥漫着乡 土的香味和生活气息。 《绿水绕屋前》是表现潮汕农村的特色,因为在农村长大的潮汕妇女, 在屋前屋后池塘养鱼洗衣,勤劳干活,是绝不逊色于男人。 显然,欣赏刘培和的水彩画,除了保持水彩画的明快和透明感之外, 更运用了淋漓水分的特长,表现出潮汕乡土湿润之气。但是,他不拘泥于 水彩画本是西方传统,英国的国画,他大胆又引进了中国水墨画技巧来更 加丰富自己水彩创作。 培和不是生吞吞地模仿那一个画派的具体笔法、渲染、皴法……引进 画中。而是将中国画线条、点苔、飞白等的笔墨,计白当黑,虚实栩生的 艺术手法,融汇到水彩画中,从而创造了自己的风格。 所以,以他画的潮汕乡土风景,以及新加坡河的船只,各国风光。树 木、河流、房屋、田野、山峰……的不同个性,从秀美风景中,绚丽色彩 的丰富变化,都能表现出不同的个性和意境,紧紧地握住和感染观众的心灵。 尤其是看培和的乡土画,仿佛自己坐在小舟上,潮汕清风到身旁。或 者自己正走在乡间小路,看青绿田园,雄伟远山,似乎听到鸟语婉转,河 水琤琮。两岸榕树树根盘缠,创出清爽幽深之气,送引身旁。 让培和画中的含着诗情的创作,深深不停地打动我们……

- 劉奇俊 完稿于上海寒雅阁 2017 年 3 月 27 日

艺坛老前辈—林子平 

我所认识的林子平是一位艺坛老前辈,我们是从80年代开始来往。 那时候,林子平与陈楚智,还有已经过世的侯熙敬。他们经常约我在一起 讨论如何对艺术的创作,走出一条康庄大道,而不是以装腔作势来吓唬 人! 1988年,因工作关系,我在国外生活了30年,虽然中间偶尔回到新 加坡探望亲友,但是却没有什么时间与缘分,欣赏更多的老友的创作。一 直到2016年,我才从好望角画廊所举行的画展,欣赏到林子平的近作, 顿时觉得林子平的艺术风格,已是登上艺术的高楼。 80年代,林子平出版的画集,我有幸为他写了序文。文章一开头, 我便指出他是一位较敢于向僵化了的旧传统艺术提出挑战。他的作品是又 富于朝气,一步步向前探索,寻找自己的艺术风格。 其实林子平在1981年从杏坛退休之后,他更加不知老之将至,把全 部精神放在绘画的探索与创作。所谓业精于勤,林子平的画就是在勤劳中 走向大气。 我们都爱説中国的水墨画,是与书法同源。那么,当你欣赏林子平的 作品,便更明显地体会到书法与绘画结合之后,诞生了大家所意料不到的 情趣。 林子平除了勤于写生之外,他是不断地练习写字,并将书法融入到自己的画中。如1980年的作品《打铁店》的线条和构图的表现,是一种下 笔无垂不缩之笔法,别有一种势不可当的艺术激情,从线条中流露出来。 中国绘画和书法一样,是用笔墨和纸绢等来创造出不同的意象与境 界,这是发展了以线条造形的技法。所以长于书法的林子平,进入绘画创 作的领域之后,发挥了他有利的条件。看来近百岁的林子平作品,在题材 内容和技法的要求上,必然充满着新的发展和演变,逐步形成了林子平声 势浩大,立了自己与众不同的艺术风格。 从林子平 2007 年的《甘榜》(THE RUSTIC KAMPONG),就有着非 常鲜明的风格。这些作品显出了他的生命力所发展的艺术力量。他的独立 构思、构图的表现技法,成为他一生追求,提高了开辟充实的艺术风格。 笔墨!我在为林子平所写的序文中强调这可是对中国画而言,绝不是 简单指一枝笔和一锭墨。它是有着悠久的历史,而不是以毛笔蘸墨作画就 算是笔墨。中国画的笔墨是经过了千多年来的发展和变化,而形成了的丰 富概念。墨就是色,它不是一团黑色,实还是深灰淡的明暗变化。但是这 绝不是西洋画素描的明暗一样。中国画的运笔,是包括了时间的艺术和空 间的艺术互相结合,所诞生的一种意境。看林子平的《故水生波屋长在》 的作品,这幅画所显出的意境,是通过苏州老屋所给的感受,创造出一种 苍劲广阔的风貌,使人感到老屋是平远无尽的。 林子平笔下所创造的不少老屋的构造上,力求笔墨去符合内容的要 求,使到他所有画中的老屋的形象达到古朴境界,并且是宁藏不露的审美 观上,让观众领略到空间的宁静和景象的储蓄。 创造自己的艺术风格,并非易事,而且在探索路上,也是会失败的。 林子平所画的新加坡过去的景色,他赋予真实的感情,经过艺术提炼和概 括,用适当的形式和笔墨去表现出题材的感染力,因此他的作品,才能打动观众的心弦。 林子平的取材是大胆地,他用笔墨画出了自己生长的土地的真面貌。 他不颠倒本末,有意识地使用流畅线条和墨颜,结合了生活的形象和具体 所产生的情趣,更加带上概括力地表现在画面上。像《忙碌街道》、《河畔 的午时》、《往日旧梦》、《牛车水》、《河畔》等 , 乍看之下,好像看不到什 么中心人物,然而仔细地体味,就不难发现,有一种亲切感,正慢慢地把 我们的感情紧紧联系在一起。这正是林子平没有脱离了真实物体的生活情 趣。他都是以新的手法新的艺术面貌,出现在大家面前,这便是林子平自 己的艺术风格,所得到的艺术效果。 林子平年轻的时候,就坚决了用自己喜爱的书法去创造自己的艺术天 地。他虽然也曾画油画,最终还是回到水墨的路上。他虽然知道笔墨情趣 是中国画不可缺的元素,但是多写生,才能达到形神兼备的境界。他年轻 的岁月,无时无刻地与三两位画友,除了到新加坡街头巷尾和郊外写生, 更利用假期,到马来西亚、柬埔寨、泰国、印度、印尼和中国等地去写生 取材,除了增加见闻,丰富题材,同时也锻炼自己的创作力量。 岁月并没有把林子平的创作能力降低,相反地他的创作能力一直在提 高。林子平从他五彩缤纷的世界里,更加领悟到用墨的干、湿、浓、淡、 染等的功用,并且用这些技法去创造一个不同于别人的水墨艺术天地。例 如他的《峇厘草塔》,明快墨线,使到草塔中的人物造型,显得非常生动。 如画中活用了墨色的浓淡干湿,表现了层次清晰并且带着韵律感的画意, 使到观众能在笔中之笔,墨中之墨的境界,领略到峇厘岛的明媚风光,其 他的如:《河畔》, 画外之意,是中国水墨画的艺术意境,看林子平的《别 有洞天》。他都是把虚实与疏密处理得顺理成章,十分妥切和自然。另一 幅《远处的钟楼》的画面,物象的虚实与远近之中,前后顾盼,高低互维,起伏呼应,显然是林子平在注重笔墨造型的形态中,力求醇厚的美感,使 观众产生画外之意。 艺术一定要强调个性,要不然很难使观众有过目不忘的印象。林子平 的书法与水墨画,是有个性的,尤其是他笔下的以新加坡为题材的作品, 让我一看到就好像在回顾这里的风土人情。像过去的小贩,把货物摆满街 头巷尾,大家在露天吃东西,还有布满货物的大木船的新加坡河,在河畔 忙碌的码头工人和起重机车……等等。林子平用朴实无华的画面,是自然 感情的流露,这不是刻意安排,故弄神秘,所以他的《白沙浮》、《桥下》、 《街道的行列》、《河畔的午时》,是有深度的创作。 林子平已过了古稀之年,仍然无时无刻在创造新的艺术风格,我们还 是像过去一样,期待他的更多画作面世。

- 劉奇俊 于是上海 2017 年 4 月 29 日

自然面目的艺术 —李福茂 

李福茂是我国的著名花鸟画家,尤其是他笔下的胡姬花,几乎成为他 的专利。因为一提起李福茂,我们马上就想说,他所画的胡姬花,就是他 的代名辞。 其实,近十多年来,李福茂除了画胡姬花之外,也画了不少五彩缤纷 的山水画,依然是工笔和意笔互相结合,极为生动。 中国的花鸟画一直在发展,这个发展过程,大致是从工笔到写意。所 谓写意,也叫意笔。李福茂的工笔胡姬花,已经是把工笔和意笔互相结 合,细而不腻,创造了自己的风格。 福茂是花鸟画家,而他笔下的胡姬花,总是给大家留下深刻的印象。 胡姬花,本来是生长在森林地带,水道树木的枝干或者幽谷的悬崖峭壁 上,溪边的岩石空隙土壤中。由于它实在可爱,人们才把它移植到自己的 花园中来培养,以便随时随地能够欣赏它明媚的花朵及挺拔的枝干。 近日再欣赏了不少福茂笔下的胡姬花,更加感觉到他所画的不是温室 中长大的胡姬花。他是给胡姬花带来原来在森林中长大的自然面目。这些 野生的胡姬花,抵抗了自然界的种种折磨,雷雨风霜和害虫的袭击,傲然 地生长在天然环境里。 因此,福茂所画的胡姬花是意象轩昂,雄姿英发,令人一看就顿觉心 胸豁达,耳目一新。
 我们应该强调的一点,就是福茂受过严格的科班训练,他并不藐视传 统,也不走旁门左道,更不故弄玄虚,装模作样。所以,他年轻学习的阶 段,打好了中国水墨画的基础,认真学过西洋画的速写和素描,更注重写 生。同时,他也吸收了日本画中的色彩技巧,以及轻巧构图方式,并将之 融汇贯通运用到自己的作品里,这使到他所画的胡姬花,给花鸟画带来了 突出构图,色彩也因此得到解放,冲破了传统的束缚,而自成一格。 福茂的胡姬花的最大特点,就是在写意之中,依然采用了工笔重彩的 “勾勒填彩法”。请看他所画的红色胡姬花,在花瓣的内沿勾勒出深浅红 色,因此增加了花瓣的厚度色彩感。 所以,福茂的胡姬花整体色彩效果虽是单纯,但却是色彩明亮。色彩 使到福茂所画的花瓣都是那么丰富与厚重。 李福茂的花鸟画是广泛吸收了宋以来的工笔与写意画的各家技巧,如 点染、没骨与勾勒点彩等,并且合理的结合在一起,使到画面呈现出生动 活泼形象,同时也是富有装饰性的艺术效果。 李福茂是得心应手的花鸟画中的胡姬花风格的与众不同的花鸟画家, 但是,近20年以来,他同时也画山水,依然是一派辉煌的色彩。 李福茂的山水画,也不是白手起家的,我们从他的山水画作品中,看 出他也用心地学习了山水画传统之后,再将之与花鸟画的基本工,结合在 一起,化为自己的东西,闯出一条福茂的山水画风格。 绘画的艺术,也与其他艺术一样,首先要对新事物产生激情,以此为 动力,时时刻刻去创立新的面目。我看福茂的重彩山水画,是有一股动力 的。 显然,画山水画,一定要到山水中去,看到山的脉络,水的源头。然 后一一用笔勾在纸上,以求在创作山水画的时候,章法结构上的变化能多样化,这样才能创新。 福茂的山水画,注重于重彩,但是,他也用流畅波浪纹的线条,勾划 出山水的神势,有时候,他用淡墨烘染,简出白地,或用粉填,以见云烟 之迹。同时线条必定凝练重拙,流畅圆转,因而增加了山水画的韵律感。 简而言之,中国画是以意境和气韵为主,并强调形神兼备。也就是说 画家首先要掌握造型艺术,先求其形似,然后才能达到神似的阶段,而所 谓的格调的高低,需要从画中的意境、气韵、神情来论的。 福茂的画,无论是胡姬花,还是山水画,都是有高格调的诗情画意。 例如,福茂的胡姬花,加上几只草虫,诗一般的韵味立刻出现在观众 的感觉中了! 所以,福茂是不泥古法,力求从生活中得来的境界。 那漫天的胡姬花,可以仰望,也可以平视,它总是在纯洁之中,带来 了诗情的高贵。 许多年前,看到福茂的胡姬花的画中,有一只小小的蜘蛛,拉着稀疏 而又长的丝,把绿竹与胡姬花牵在一起,情韵风怀,原野气息,呼之欲出, 是说不出的诗情画意! 李福茂的画,就是这样地吸引了大家的眼神。

- 劉奇俊 完稿于新加坡寒雅阁 2017 年 4 月 30 日

势不可当的 洪亚弟艺术

洪亚弟是新加坡画坛的佼佼者。 我喜欢洪亚弟的开门见山的风格。他的作品主题,毫不含糊,一目了 然就知道在画什么。 举个例子,洪亚弟2011年所画的《两艘渔船》构图,就是三分之二 的画面在强调两艘渔船的特色。当然,他也不忘远处的另一艘渔船,淡淡 几笔,让整个画面显得多么热闹,海天多色多彩。 这位1943年出生于新加坡的水彩画家,从小就喜欢绘画。他接受了 新加坡南洋美专完备的西方美术训练。同时也是勤奋的自我训练。学生时 代,便经常到新加坡河畔,还有街头巷尾,把新加坡的旧日建筑物,还有 新加坡河来往不停川流的船只,以及码头工人的辛勤劳作,他都一一地不 停写生,这可是对他以后的创作,做了坚实的基础和发挥创作的力量。 洪亚弟的作品能够吸引大家眼光和喜爱,这应归功他对自然的敏锐观 察力和卓越的画技,他的作品多数是用压克力,却充满着质感。显然,他 饶舌的构想力和对生活的洞察力,使到画的主题是指向现实的景物。他在 年轻时候的作品主题,便是新加坡风景中的生活缩图。 洪亚弟的风景画,充分表现出新加坡街道的街景,市场、广场、港口、 河畔、甘榜、海滨……我们从画中看到新加坡的旧日时光,聚集着用苦力 讨生活的工人的街头实景。商人、小贩、游客、悠闲行都入画。不妨説洪亚弟的作品,提升到他年轻时穷苦生活所体现的艺术形态,发挥艺术对时 代的知性力。 他的作品《水仙门》(2003年)、《牛车水在阳光下的下午》(2014年), 便是充分体现出画家是赋予他作品深刻的主题。 像这一类的风景画作品,是与其他新加坡画家一样,带有启蒙大家的 目的。他的主题取自新加坡的旧建筑物到新建筑物的变化,使到自己的作 品,也感染到时代气息的街景。洪亚弟是把绘画表现得更有寓意,而且人 性化,所以学院式的训练,加上画家对现实生活的体验,还有对自然的热 情和视觉的冲动,所以他的作品是带有浓厚的人情味。 一位成功的画家,一直困守在自己家园,便会成为井底之蛙。画家一 定要到世界各国去旅行写生,尤其是欧洲各国各位大师的作品,更是洪亚 弟所羡慕和学习的对象。 为着达到“搜尽奇峰打草稿”的目标,洪亚弟开始到欧洲和其他国家 旅行写生了! 洪亚弟到过尼泊尔去写生,这个古老和落后的国家,给了他不少的启 示,因为画家想忠实在描写自然。他不仅做为理想性的再结构,而更投身 于大自然,发酵的自我感觉,使之升华再新之于形式表现,这种创作的认 真态度,是洪亚弟的特长。我们也可看到洪亚弟后来的创作,对色彩的控 制,和对笔势方法的掌握,都感到势不可当。 洪亚弟也不止一次到欧洲去旅行写生,他一路上欣赏了不少著名美术 馆,参观了不同阶段与不同国家的画家的作品。尤其是意大利的各位大师 对他的影响极为深刻。每一次的旅行,就好比遨游大自然,同时巨匠名作 的临摹,使他更加探索到艺术创作的真实性。 现实的磨练,精益求精的要求,让洪亚弟的水彩绘画创作,从户外捕捉的光和色彩变化之后,他总是带着新鲜与好奇去体验。从欧洲大师的作 品中,同时也发现水彩是纾地发挥了色彩,所以他笔下的景色,如无数印 象性的山岳风景,都大胆地采用淡彩和织网的笔触,而无穷变化,线影, 点描都成了他的代表性作品。文明古国如印度、中国都是迷人的题材。 洪亚弟也到过中国各地,我看过他的《桃花开了》(2010 年作品), 这幅画带着浪漫色彩的东方味道。这也许是近来洪亚弟吸收了不少中国画 的优点。而他的另一幅《南京》(2007年作品),也充满着浓浓的东方风味。 洪亚弟是感兴,把所见的景色也揉到水彩画中。多样的色彩,直接而 又简单和各种景物,自由自在的挥洒,丰富了画面的变化。这可以从他的 作品:《桃花开》。 洪亚弟的作品,以不同的绿色、黄色,绮丽幻化,充满着梦幻景色, 色彩缤纷,诗意无穷。

- 劉奇俊 完稿于寒雅阁 2017 年 5 月 10 日

街头派艺术 —邓汝能

邓汝能的水墨画,我是从熟悉开始,而渐渐步入了喜爱他的作品。因 为他的水墨画名符其实是以墨为主,不染色,但把线条的作用却推向了艺 术的高峰。 看了邓汝能近来的水墨画,更觉得他与当今中国浙派的水墨人物画的 顶峰画家吴山明大师一样,都是用出色的水墨表现出各自的内心世界。不 同的是吴山明只用宿墨作画,邓汝能却是用各种墨水去创作。他们都是各 有千秋。 我之所以对邓汝能的水墨画如此熟悉,这是因为四年多以来,他几乎 每个星期天都把他一星期以来的创作,不厌其烦地拿到以刘培和为盟主的 新加坡著名画家集中的《金文泰雅聚》的咖啡厅,向刘培和和其他画家讨 教。所以我因此才有机缘不断地欣赏到邓汝能的作品。同时也十分欣赏到 他那谦虚和精益求精的精神。他步步努力地为自己的作品,添上新的风彩。 邓汝能是出生于新加坡土生土长的画家,他是非常勤劳的,并忠于艺 术的画家。多年来,他不断尝试各种绘画的基础功能去创作。在他不断地 努力之下,终于找到自己最熟悉的街道去写生作画。如牛车水的大街小 巷,新加坡河和河畔等的景物,他都是日以继夜地观察和学习。业精于 勤,他才能充分加强创作的力量,同时,他也跨出国门,到不同的国家与 城市旅游,开广自己的眼界,亦丰富自己的创作题材和见识。邓汝能的绘画时间,是不受节日或风雨所能阻挡,有时候几乎超过8 小时。记得有一次过年前两天,我的老同学王兆炳打电话给我,说他在牛 车水恭锡街,见到一位静默的画家竖起画架,目不斜视地在画着新年将到 的热闹街景。不等他说完,我就告诉他,这位画家肯定是邓汝能。果然不 错,是汝能在努力地珍惜分分秒秒,把热闹节日气息,从他的作品中如实 地反映给大家。 汝能作品是经过长期的观察磨练,而且他往往是天尚未亮就到现场, 仔细观察因时间关系而景 色有所变化的感受,再通过水墨画呈现景色四时 之美。 虽然汝能画了不少街景,我却认为他是一位如假包换的山水画家。他 熟悉西画的透视法,但是,他作画之时,用水墨的深浅干湿,笔法的勾勒 转折,擦转疾缓的笔法,认真地创作。 汝能过人之处,就是他处于山水大厦人物之中,却不是限于一瞥之 见。他是用以大观小的画法,心注全局,目想神游,自由驰骋。这就是他 不同于常人肉眼所见,不是一叶障目,远近都看得见,画出超然意境。 有不少画家,强调焦点透视法,斤斤计较地平线和消灭点。那么画出 来的山水景物,是非常刻板的死景。汝能可不是这样,他好似一位聪敏的 电影摄影师,充分地利用镜头的拉转摇,延伸了肉眼的眼界,所以他画出 来的山水和建筑物,既真实又生动,意境油然而生,这便能满足观众的视 欲。 有时候,我更感觉到汝能好像是一只飞鸟,掠楼而过,楼前楼后和四 周景物,尽收眼底。就如他的近作《灿烂的街道》,细观之下,一目了然。 一位成功的画家,除了有一双肉眼之外,更需要有一对心眼。邓汝能 便是一位具有心眼的画家。他用一对心眼,拉高拉低、拉近拉远,随心所欲,完全不受肉眼的限制,而用心眼创作。 且看汝能近日以吉隆坡的中国城,所创作的组画,虽是现场写生的构 图。图中是屋后有屋,山后有山,他更把代表吉隆坡的双子塔,也画进去 了!也许有人会说这是不忠实于肉眼所见。其实非也,这是汝能忠于心眼 所见,任意飞翔于吉隆坡的美景所找到意境。 汝能的心眼是画家通过自己的观察所表现的事物,视点是假定的,想 象是运动的。他非如此,是不忠画家内心概括事物的全貌。 邓汝能的作品,少不了参天的树木,如《历史角色》、《代代相传》、《乌 节翡翠》、《甘榜生活》。我们几乎可以感觉到一片浓密的树木,聚散疏密, 行行相并之中,出现了蒙密的建筑物,更为画面带来诗意。 汝能所画的壮丽树木,着意用点的变化,配合弯曲又挺直线条,他参 用中锋侧锋,干笔湿笔,疏点密点,快点慢点,加上用淡墨拖,再用浓墨 破。笔尖,笔肚,笔根互用,所以他笔下的树,是变化多端,表现出层层 林木,映带着绿意迎着风和日丽,虚实相生的意境。 《雨后天晴》、《雨中唱和》、《街头巷尾》、《日日好日》、拿以上的汝能 作品来做一个例子。我们就不难发现画家作画,总是触景生情,有所感, 有所思,而后才形之于笔墨。然而,要画一幅打动人心的画,必须经过反 复观察,思考和凝神,再构思,才能塑造出生动而完美的艺术形象。邓汝 能风雨不改,经年累月地整天连续写生,选择了自己喜欢和熟悉的题材, 这使他得心应手,发挥尽致,熟能生巧地创造出自己艺术风格的水墨山水 画。 再看汝能的作品:《灿烂的街道》,是不着色彩更不画阴影的线描。他 重视墨色和水分的微妙变化。从墨线造形,加淡染,发展到水墨淋漓,即 以富有变化的墨笔点,抹造形,进一步才与线结合运用,以墨色代色彩,这正是邓汝能从长期实践中找到的特殊功能,所产生的自然效果。因此, 他喜欢水墨,表现到不同的题材,笔法灵变的创作,比比皆是,真是不能 一一列举。 艺术的发展,是没有限度的,让我们期待邓汝能给我们带来更多的精 彩水墨新作。 中国的水墨画,尤其是山水,都是从水墨的表现中出现了质感与量 感。所以邓汝能的作品,就是用尖雉毛笔勾画出来的多姿线条和点块,并 且是富有韵律的墨色深浅变化,所以他的水墨作品,可说是带着难以忘怀 的多姿多彩! 邓汝能也像新加坡许多画家一样,没受过正统的美术学院的训练,但 是他却能靠自我训练,到处写生,可以说是街头派画家的先驱之一。他是 吸收了众家之长,自成一格,成为街头画派的佼佼者。

- 劉奇俊 完稿于美国萨塞克斯 2017 年 5 月 27 日

学院派 —林友权

林友权是德高望重的当今新加坡的老画家之一,他虽是1929年诞生 于中国的厦门,但是从小却是在新加坡受教育而长大的,他是如假包换的 新加坡画家。 林友权是幼受庭训的油画家,他的父亲林学大,是1938年南洋美专 的创始人,并且任该校的校长直至退休。该校为新加坡培养了许许多多的 画家,所以他父亲对新加坡美术的贡献,功不可没。林友权也就是在父亲 的严格教导和影响之下,走进美术的殿堂。有一个时期,他子承父业,也 担任一段时间的南洋美专的校长,从事美术教育工作。但是,由于他热爱 绘画,所以还是成为了一位专业的油画家,来达到自己的愿望。 我们细观林友权的油画作品,不得不承认他是有深厚的西洋画“正统” 的基本功。无论笔触、造型、色彩、素描都是“步步为营”的传统程式的 学院派味道。 所谓学院派,就是重视基本功的练习,强调素描的重要性,并且需要 经过极为严格的训练。一般上学院派是师生相传。这包括题材的规范,重 视老师传统。学院派却贬低色彩在造型艺术中的作用,而要求把古代作品 的形式规律和西方文艺复兴各大师艺术视为永恒,不得稍加超越。所以学 院派的艺术风格意味着严谨与规范,因循保守的烟火。 然而,林友权的作品,并没有完全受到学院派的限制,在向传统学习的道路上,他许多地方是冲破了牢笼,走出了自己的道路。 如林友权1955年所画的《篮子里的红毛丹》,他以鲜明色彩,衬托出 市场上小贩的人物个性,而且构图热闹而不冲突。一篮红色的红毛丹,把 以黑蓝的背景显得更加调和,这正说明林友权已经从学院派走出来,找到 自由发挥的艺术大路。 《篮子里的红毛丹》画中的市场各式人物,是接近了现实生活中凡人 的七情六欲,造型生动,表现出南洋一带的市场上的真实景物,这可不是 西方学院派所强调的“神”。 林友权 1997年的作品《收割的季节》,令我惊异万分,这幅画的意境 与诗情,使我立刻想到巴比松画派米勒的两幅传世之作的《拾穗》和《晚 钟》。他们同样是画农村生活的实景,这幅描绘印尼农村收割的实景,处 处是成熟的金黄色的稻米,而远处似乎是以薄雾如纱地盖住的远山,亦是 给人看不尽的是农村的意境。 林友权 1950年毕业于南洋美专,后来在 1960 年和 1961 年又到英国 的CHELSEA SCHOOL OF ART深造。众所周知英国的美术也是属于欧洲的 保守派。它并不是像法国那样地开放和自由发挥。法国的印象派、象征主 义、野兽派、立体派……都为法国艺坛带来领导全世界美术的强风。我深 信两年的英国留学,虽然是带给林友权很大的冲击,但是,他的作品,却 依然带着浓厚的学院派味道。 欣赏 90 年代林友权的作品,如《莲花》或是《巴厘岛夜景》,他的 表现方法就是要求高尚端庄,走正规的美术道路。说到学院派,实是于 1590年由卢多维科、卡拉契三兄弟所创立的欧洲第一所美术学院波伦亚 开始的,学校开设了比例学、解剖学、透视学和建筑学等技法理论课程。 因此形成了正统美术教育体系,后来该校的课程也成为全世界建立美术学校的典范。所以,幼受庭训的林友权的风格脱离不了学院派的写实风格的 影响。林友权过人之处是他以敏锐观察力留下实景的光彩,令作品亦发光 芒。 21 世纪的林友权作品,更加能够捕捉和概括大自然的美景。他的《峇 里海滩》(2011 年)和《巨浪》(2006 年),画家强调了远与近的感觉, 亦表现出明暗的对比,这都是非常调和并带有古典主义的作品。还有《峇 里之夜(》2009年)也是从自然中的明暗对比,表现出峇里自然环境中的美。 再说,林友权确实是幼爱庭训,成年之后又受过正规且完整的美术学 校教育和学术训练,师承父业,所以他的作品,概括力强,色彩分明,《峇 里之夜》以柔软繁密的深绿色来处理景物,给人突破传统的感觉。 林友权的油画作品,其正统性的自然美,依然给大家留下深刻反应的。

- 劉奇俊 完稿于美国萨塞克斯 2017 年 6 月 4 日